夜景油畫意義

A. 光線在油畫創作中的意義

繪畫中光的運用
《聖經·馬太福音》中說：「在黑暗中開黎明。」一語道破了光在這個世界中的位置，它是一切萬物得以顯現並且被賦予生命的神奇物質。同樣，在研究或欣賞西方繪畫，尤其是傳統繪畫時，我們也不能忽視光的神奇力量。光在西方繪畫中佔有極為重要的地位。
有了光，便有了體積，有了形狀，有了色彩。因此 ，西方繪畫時光的運用集中體現了寫實性藝術之中，要粗略給個范圍的話，這大概是從古希臘開始，一直延續到印象主義。這以後的藝術雖然仍有不少具象繪畫，但就整個藝術史來看，它已經不再是主流，所以從現代主義開始的西方繪畫不在本文討論的范圍之內。
縱觀西方繪畫史，光的作用集中體現於兩點：真實與理想。所謂「真實」，即是說西方繪畫在對光的運用中建構起了一種對世界的「真實」的認識和「真實」的表達。所謂「理想」，是指在對光的運用中，西方繪畫亦形成了對世界的一種「理想」的認識和「理想」的表達。這兩個方面彷彿是自相矛盾的，其實不然。「真實」與「理想」是一對孿生兄弟，互為補充，相輔相成。只有在二者構成的關系中它們才分別具有意義。西方繪畫史在某種程度上可以說是在不斷探索真實性的歷史。寫實的再現，真實的描繪一直是一個最基本的准則，而這都離不開對光的表達，唯有光才是「真實性」的來源，因此畫家只有在對光的運用中才能實現對「真實性」的表達，對光的運用也體現了畫家的「真實性」的觀念。但是，所謂「真實性」只是一種相對而言的說法，正如貢希里希在《藝術與錯覺》中指出的那樣，「純真之眼」是不可能有的。「真實性」必然會與「理想性」聯系在一起，而對光的運用，也就是一種「理想性」的表現。真實與理想交織在一起，它們共同形成了對光的運用。
在西方繪畫史的長河中 ，對光的運用大致可分為三個階段。第一個階段從古希臘羅馬到文藝復興。在這個時期，對光的運用是為了通過製造幻覺達到描述的作用。藝術從古埃及到古希臘的轉變，正是古希臘人認識到光的重要，從而認識到明暗，認識到色彩，達到對真實的表現。古希臘的繪畫盪然無存，古羅馬的繪畫在龐貝和赫庫蘭尼姆以及法尤姆的死者肖像中可略知一二。在這些繪畫中，我們看不到太多的「光」，它們是通過把光消解在陰影和明暗中來摹擬物象，是對光的被動地接受，光化為了形體。在中世紀，古希臘、羅馬的繪畫傳統在拜占庭帝國中得到了延續，對光的運用也得到繼承。第二個階段從文藝復興到十八世紀。在這個階段對光的運用可用一個詞來概括：設計。對光的運用強調一種人工性的設計，這基於對光的獨立表現力的認識。光並不只是為了造成塑造形體的明暗，而且是為了氣氛、環境的渲染或體現畫家的思想。對光的設計大致有這么幾種：一種是燭光效果，以尼德蘭的托特·辛特·楊斯的《基督誕生》及法國的喬治·拉圖爾的「夜間畫」為代表。另一種影響最大的是明暗對比效果，從達·芬奇的「漸隱法」開始，到卡拉瓦喬的「酒窖光線法」，再到倫勃朗的「明暗法」，成為對光的運用的主流。總之，在這個設計光線的階段，著重的是一種亮與暗的對比，在這種對比中既表現出形象，也傳達出一種形而上的思想。第三個階段從十八世紀一直到「印象主義」。在這個階段，畫家開始表現光線本身，表現真實之光，而不僅僅滿足於把光作為物體的附庸。從十七世紀開始，隨著自然科學的發展，人們對光開始有了科學的認識。牛頓發現了光譜，並認識到事物之所以呈現豐富的色彩乃是由於對光線折射的不同所致。到十八世紀，這種科學的發現通過「通俗洛克主義」開始在視覺藝術上產生影響。在繪畫中產生了這樣一種觀念：繪畫描繪的並不是物體本身，而是我們對物體的視知覺。在夏爾丹的繪畫中已經體現出了這種趨勢。進入十九世紀，對表現真實的光線——尤其是外光——的興趣不斷增長。在世紀的中期出現了「巴比松畫派」，在七十年代產生了劃時代的「印象主義」。「印象主義」追求對光、色、大氣的表現，某種意義上說是一種「科學主義」對光的表現。在這個時候，光最終在與物體的競爭中占據了上風，在「印象主義」那裡，不是光服務於物體，而是物體服務於光。
西方繪畫經過三個階段的漫長的發展過程，終於達到了對光的解放。在我看來，這也正是西 方藝術從「古典」向「現代」得以轉變的一個因素。因為對光的解放在某種程度上意味著對寫實性繪畫的消解。光從構成寫實性繪畫的必不可少的，決定因素中脫離出來，為現代主義解構傳統寫實繪畫奠定了基礎。

B. 收藏油畫的意義是什麼

油畫作品，是歐洲主流藝術作品，也是歐洲主流的藝術品。中國是在90年代後期，才流行開始油畫作品的欣賞何展覽。尤其是改革開放以後，一大批的歐洲、美國藝術家來華舉辦展覽，帶動了一些知名大專藝術院校成立了油畫工作室，油畫作品才開始廣為流傳。
2000年以後，油畫作品已經較為熟悉，但是普及程度不高。隨著深圳、北京等的畫家村的出現，油畫作品大面積的復制，油畫開始廣為收藏。
了解了油畫進入中國的過程，那麼收藏油畫的意義，就更容易了。油畫，作為世界繪畫種類之一，有著廣泛的收藏人群，也可以說有著大批的喜好人群。收藏油畫的意義，我覺得可以從以下幾點：一、油畫作品的稀缺型，因為油畫不像國畫、水彩、雕塑等作品，不斷復制。尤其是寫生作品，更是在一段時間內完成的作品。那麼創作型的油畫作品，又因為在繪制過程中，已經涵蓋了藝術家的創作、構思、修改等過程，所以一幅作品完成時，幾乎不需要再改動。二、油畫作品的保存期，又有特殊性。一般來說，一幅油畫存世百年以上，已算是不易。油畫作品，如果在保存恰當的空間里，可以保存300-500年，但是其中需要養護、修補等措施。這時間遠遠低於中國的國畫，國畫至少300-500年，在恰當的空間里，上千年是完全可以的。三、較為普遍的理解性。油畫大部分作品更趨於寫實，所以，更多的人群、受眾可以接受和理解。
綜上所述，我認為總結起來可以有以下：
一、油畫較其它藝術類型較為稀少。
二、保存期的特殊性。
三、更容易理解的作品形式。
四、畫家的年產量較少。

C. 油畫的意義是什麼

有藝術價值，收藏價值！還可以起到裝飾的作用！如果買到好的油畫，若干年後升值的話，你就發了！總之好處多多！哈哈！

D. 巨人山油畫寓意有哪些

世界名畫《巨來人山》是德國源傑出浪漫主義風景畫大師卡斯帕.大衛.弗里德里希的代表作品。《巨人山》畫面描繪的是多姿多彩，恍如仙境、宏偉壯闊的群山盛景，抒發了作者追求理想，神聖、聖潔的藝術主張和情感。

民間解讀《巨人山》寓意有好幾個說法：
1、背後有靠，陞官有靠：安置辦公桌第一為後方要有靠。所以辦公室掛畫上巨人山油畫，即寓意「主後山有靠，貴人提拔有望，好陞官」
2、這幅油畫掛在玄關，既鎮宅旺業、又能防「小三」！（巨人山，意味著「鋸」小三）。尤其適合結婚5年以上的夫婦。一幅巨人山在手，保你夫妻和睦、萬事順利。

E. 油畫 畫生活中的場景有什麼意義

我覺得藝術雖然高於生活但又源於生活，好的油畫作品應該是離生活很近的，描版繪生活中權真實場景的繪畫作品會更鮮活，更有溫度，更能打動人心，能讓人產生某種情感上的共鳴，會勾起人內心的某處柔軟和某段回憶……意義就在於此吧！

F. 畫小場景油畫有什麼好處

小油畫繪畫時間短，面積小，可以幫助快速捕捉自然光線，訓練色彩感回覺，快速找到畫面大的色塊，答組織畫面關系，從中訓練你的概括能力，懂得畫面取捨，俄國畫家列維坦在創作一幅作品之前，就喜歡先用小畫的形式去感受對象，之後在畫草圖進行創作。這是一個非常好的繪畫方式，對繪畫能力的提升有很大的幫助。

G. 哪些可以體現光影重要性的油畫作品

自從油畫傳入中國以後，藝術家對油畫藝術語言的研究往往只關注於造型、色彩、材料以及筆觸的應用，而輕視了對文化背景的差異、自然環境、心理及油畫藝術的審美價值等內在語言的研究。可能我們只看到油畫藝術的客觀美，而關注不到油畫藝術形態美。本文主要想從油畫藝術中的光和影來探討油畫藝術美感的一種形式。
光與影視油畫藝術中的靈魂
光是人類活動得以進行的必要前提和基本條件，沒有光世界將一片黑暗，也就無所謂人類活動，更不可能有繪畫。有了

就必定有影，光是影存在的前提，影視物體得以展現的保證。物體通過光影的表述和傳達，從視網膜的生理場轉入形象思維的心理場，由此，光影為人們展現豐富多彩的世界。正因為有了光與影，才會為藝術家在油畫展示和表現提供了可能，並且通過光與影的應用表現出不同的情感，傳達出各種含義，展現了多樣的形式，給人以審美的價值。剛開始重視光與影在油畫表現作用中的大師是達・芬奇。達・芬奇對光與影的研究是建立在自然科學的基礎之上的，他詮釋的光影對造型的重要性意義，他認為「一切固體都被光和影包裹著。沒有意見不透明物不兼備光和影。沒有光和影，任何物體都不能被察覺。
在油畫創作中，光影效果常常根據構圖的需求來布置，從而傳達出不同的內涵。光與影能夠製造各種各樣的氣氛以及變化，引導人們進入「情節「，畫家根據作品的特點，發揮想像力，創造性地使用光線、色彩、亮度和反差，大膽地光線造型中突破用光上的概念格式化，通過合理的補光構思、設計、創造性地再現氣氛，喚起人們對畫中所表達的意境的聯想。由此看來，光與影參與油畫創作的全過程，是油畫創作中不可或缺的重要元素。
光與影在油畫應用中的代表畫家和代表作品分析
16世紀光與影運用的理性大師達芬奇
恩格斯在他的名著《自然辯證法導言》中對歐洲文藝復興和達芬奇的評價說「這是一次人類從來沒有經歷過最偉大進步的變革，是一個需要巨人而產生了巨人，同時也用美學理論和科學觀點來觀察人與自然的規律，在思維能力和性格方面的，在多才多藝和學識淵博的巨人理論與實踐的相符關系的時代」。文藝復興思想的基礎是關懷人，尊重人，以人為本的世界觀。人和自然地價值得到重新的肯定，光與影的藝術表現力的大師是達・芬奇。他首先應用光線照射物體所產生的明暗層次在油畫畫面中塑造出立體的視覺形象。他認為「明和暗――光和影，再加上透視縮形的表現構成繪畫藝術的主要長處。
試分析其著名作品《蒙娜麗莎》，畫家用層層推進的罩染法把柔美的明暗層次表現出來，使傳統女性特有的矜持和端莊得到真實完美的展現出來，畫家的用光是講究的，他主張理性的應用光影，柔光中的光和影反差較小，用這種光線畫出的作品顯得柔和，畫中的人物的面孔雍容雅緻。達・芬奇充分利用物體的明暗關系塑造出優美的形體結構，從而再現了現實和自然地魅力。
17世紀「光影藝術大師」倫勃朗
「比金錢更重要的是名譽，比名譽更重要的是自由」。這句話照耀著倫勃朗的思想感情和他的理想，從他的作品中可以聽到金屬的聲音，能夠巧妙的解決光影在他作品中的表現，明暗對比在倫勃朗的繪畫中獲得了新的藝術語言，在他的畫面上，光源只集中地照耀在最重要的主題上，次要的東西往往在陰影中顯露出一些微弱的亮光，而其他一切形象和色彩都消失在黑暗中。在他的藝術語言中，色彩是隨著光的變化明暗色塊的連續運動，由於光和色彩的互相滲透的作用，在暗部用透明或半透明的畫法，然後用明暗虛實關系結合色彩冷暖變化使畫面的空間感，體積感，造型感得到完美的烘托，這種明亮和陰暗的緊密交替在一起，真實的表現出荷蘭的光照。通過光與影技法的完美結合，拓寬了現實主義的廣度和深度，成為17世紀荷蘭最偉大的畫家。
19世紀引用光與影的情感大師莫奈
18世紀末，印象派大師首次把光源色引入繪畫，他們追求的是光和色的互相滲透的微妙關系，強調外光的真實感和畫面的第一印象。印象派摒棄16世紀以來變化甚微的褐色調子，在光和色的表現上取得了突破性成就，在光、色中求形，以光和色來謳歌表現意和美，理解了光、色、形、意、美在繪畫語言中的辯證關系，把閃爍的陽光和微妙的陰影引入畫面，繪畫隨之變得清新明麗、生機盎然。哲學中，事物是不斷變化發展的，人類也應隨著事物發展的方向與時俱進。這一道理是這一時期起主要的決定性作用，從而促使他們走出畫室，到大自然中去，他們開始認識到光影和色彩的關系，沒有光就沒有色彩，色彩起源於太陽光，這給繪畫藝術打開了新的探索境界。印象派最典型的代表人物是莫奈，並始終堅持印象主義畫風。有一天，庫爾貝來看莫奈，正好浮雲蔽日，莫奈有好一陣子不動筆，庫爾貝就問他為何不畫，他回答，我在等太陽。由此可見，莫奈對於外光是多麼的重要，這對於准確表現外光，顯然有助於增添畫面情節的真實感，這種效果在他晚期組畫《睡蓮》得到完美體現。這是一個由陰影和光線組成的水上漂浮的世界，畫家把睡蓮作為一種元素，一種象徵，一面鏡子，折射出世界上其妙魅力的光和影。畫中突破了形體的束縛，使畫家們有了更廣闊的想像空間，形成一種朦朧的效果。
結語
綜上所述，光影是深化油畫意蘊和表現力不可或缺的重要性元素，對構成視覺藝術具有舉足輕重的作用。在油畫藝術中，畫家根據主題需要，可以用濃黑的陰影去吞噬、覆蓋畫面線條與多餘影像的瑕疵，可作為構成色塊，形成裝飾效果，可適當而巧妙的光影強弱的畫面處理，可以簡潔明快地傳達畫面形象中細膩幽微的心理意蘊，表現種種情感情緒及深層心理的空間深度，從而創造出更多震撼人心的藝術精品。

H. 如何理解油畫中的光與影

在西方的繪畫史上，對光線的運用要追溯到古希臘時期了。古希臘人認識到光的重內要，從而認識到容明暗，認識到色彩，達到對真實的表現，之後慢慢流傳到文藝復興時期，然後慢慢發展到現在。對光的運用最多的就是明暗對比處理。從達·芬奇的「漸隱法」開始，到卡拉瓦喬的「酒窖光線法」，再到倫勃朗的「明暗法」，逐漸成為對光的運用的主流。

莫奈《乾草垛》

真正的把光線作為一幅作品中的重要表現元素，是在十八世紀之後，印象主義的誕生。在這個階段，畫家開始表現光線本身，表現真實之光，而不僅僅滿足於把光作為物體的附庸。「印象主義」追求對光、色、大氣的表現，某種意義上說是一種「科學主義」對光的表現。在這個時候，光終於佔了上風，不是光服務於物體，而是物體服務於光。

說到這里，就不得不提一下上篇文章里講到的莫奈。莫奈屬於印象派的代表人物，他的畫是真的把光線運用到了極致。

I. 色彩的情感表達對於風景油畫創作有什麼意義

自古到今，藝術家在作品創作時的目的主要都在於情感表達，對於油畫風景寫生作品創作來說也不例外，油畫由於自身風格的獨特性，特別注重通過色彩語言來對畫面進行表現，同時，油畫風景寫生作品中色彩語言更是藝術家心靈的體現。本文首先對油畫風景寫生創作中色彩語言對於情感表達的意義和作用進行研究，分別對色彩在油畫風景寫生中不同類型的情感表達進行分析，並相應地以多位油畫大師的風景寫生作品作為例子，對油畫風景寫生的不同色彩、不同調色技巧及其作者需要表達的情感進行詳細闡述。
中國論文網 http://www.xzbu.com/1/view-5223662.htm
關鍵詞：油畫創作；風景寫生；色彩語言；情感表達
油畫本身是一種將色彩藝術與平面造型藝術進行結合的藝術形式，同時強調畫中的造型和色彩，由於油畫風景寫生的內容都是以風景為主，而無法通過人類或其他生物的動作和表情來表達情感，因此色彩表達是油畫風景寫生中最重要的表達語言。我們所處的世界五色繽紛，而用於油畫的顏料只有大約100種左右，如何通過這些有限的顏料的相互配搭，繪制出能夠准確、傳神地表達作者真實情感的風景，一直以來都是藝術家積極尋索的問題。
1油畫風景寫生中色彩語言對情感表達的意義和作用
1.1油畫色彩是作者情感表達的主要途徑
油畫風景寫生創作跟其他藝術方式一樣，不論東方油畫還是西方油畫，不同藝術家在每一個作品的創作時所要表達的情感以及追求的東西都是各不相同的。根據藝術家對冷色調、暖色調、亮色調、暗色調以及灰色調等多種色調的單獨運用或者混合使用的特點，不僅可以分析出藝術家對色彩的使用偏好和油畫創作的個人特色，還能了解到作者到底是懷著怎樣的心情和目的去進行油畫風景寫生創作的。隨著油畫創作的發展，人們在油畫創作中越來越強調色調的搭配新穎、誇張化以及個人風格的展現，發生改變的不只是繪畫工具的改進、油畫色彩觀念的轉變，更重要的是藝術家的思想和心境在不同時代的不同體現，由於藝術家的觀念和個性越來越多樣化，色彩在油畫風景寫生創作中的地位也變得越來越重要，從而使色彩的情感表現逐漸演變成當下油畫作品中最重要的藝術價值體現之一。

J. 一幅的油畫有什麼意義

每幅作品都有不同的意義所在 甚至可以反映出畫家作畫的心情 態度